Sa démarche artistique s’articule autour de l’humain, et plus précisément du corps comme médium. À travers la photographie, elle interroge les identités, les rapports de genre et la façon dont la société façonne nos perceptions. Chaque projet vise à déconstruire stéréotypes et préjugés, mettant en lumière des corps et des histoires souvent invisibilisés. Son travail se distingue par une approche pluridisciplinaire, mêlant techniques argentiques et numériques, ce qui lui permet d’aller au-delà de l’esthétique pour donner une voix à celles et ceux laissés dans l’ombre. La photographie devient ainsi pour elle un outil de visibilité et de remise en question des normes sociales. Elle s’intéresse particulièrement aux questions de genre et de sexualité, et à leur représentation dans différents contextes. Dans « PAPA » (2021), elle invite son père à se travestir, explorant l’intersection des genres et les constructions sociales autour de la masculinité.

⁠Nathalie Rodach est une artiste plasticienne franco-suisse dont le travail explore la photographie, la sculpture, le dessin, l’écriture et l’installation. Autodidacte, elle raconte des histoires en interrogeant la perception, la mémoire et la matérialité, jouant sur les oppositions entre présence et absence, visible et invisible. Elle tisse des liens entre le spirituel, l’organique et le trivial, construisant notamment des arbres symboliques qui portent la sagesse et l’ignorance de ceux qu’ils représentent. À travers ses œuvres, elle explore les chemins de vie, les interrogations sur l’identité, le passage des saisons, la fuite et la magie des rencontres. Son univers est nourri par le hasard, la terre et les expériences humaines, cherchant à partager ce que signifie être vivant. Son travail a été exposé en Suisse, en France, aux États-Unis, au Canada, en Israël, en Tunisie et à la Biennale de Venise. Elle vit et travaille à Genève.

Née en 1993 vit et travaille à Paris. Diplômée de la Villa Arson et de Sciences Po Paris. Sa pratique artistique permet de déployer des narrations aux travers de diverses techniques. Chaque projet vient tirer le fil d’une histoire qui peut ainsi épouser la forme d’une installation, d’un corpus de céramique, ou d’un film. Depuis plusieurs années, elle s’efforce de construire une œuvre sensible et tendre, tant dans sa colorimétrie que dans les sujets qui la traversent. En parlant d’amour, d’amitié, des petites histoires qui composent la grande, elle souhaite proposer une œuvre intime et générationnelle en travaillant des matériaux nobles : céramique, soie, cuir, marbre qui font écho à toute une généalogie des formes. Et c’est précisément ce fil rouge que sa pratique entend suivre : repenser les émotions, le quotidien,  pour en interroger la puissance et aller au-delà du perceptible.

Originaire de San Francisco et aujourd’hui basée entre Saint-Denis (93) et Esch-sur-Alzette (LU), Frieda est créateurice de spectacles hybrides. Frieda a démarré le cirque à sept ans au San Francisco Circus Center, avant de traverser l’Atlantique à 18 ans pour approfondir sa pratique. Iel se forme notamment à l’École Jacques Lecoq à Paris et avec la SITI Company à New York. En 2009, Frieda cofonde la cie Kallisti, puis le Collectif en Cours en 2016. Frieda est également membre du collectif Luxembourgeois Ampersand Variations. Metteureuse en scène et dramaturge, Frieda explore l’identité, le genre, les futures désirables, et bien d’autres thèmes à travers ses spectacles Desire Lines (Esch22), PARASITE (Théâtre National du Luxembourg, 2022), Roots / Routes (LUGA, 2025), et insomnia : des rêves pour la fin du monde (création en cours). Frieda enseigne également le cirque et la méthode théâtrale Viewpoints.

Né à Amsterdam en 1988, Caspar Noyons est un artiste plasticien et illustrateur franco-néerlandais. Diplômé en architecture à la TU Delft, il fonde ensuite son propre cabinet d’art, où il développe une pratique mêlant dessin, sculpture, installation, performance et vidéo. Dès la fin de ses études, il raconte, à travers maquettes, dessins et installations, les grands faits des sciences, comme l’évolution du vivant et la cosmologie, en leur donnant une dimension poétique et mythologique. De retour à Marseille depuis 2020, il redécouvre la lumière et les couleurs de la Méditerranée, consacrant plus de temps à la peinture et au dessin, notamment à travers des paysages réalisés sur le vif. Passionné par la mythologie, la poésie et la mystique, il cherche à instaurer un dialogue entre l’humanité et la nature, dans l’esprit de « The great conversation » de Thomas Berry. Il poursuit aussi ses recherches cosmologiques à travers des cours et un livre en préparation.

Julie Rebecca Poulain (Casablanca, 1971) est une peintre française. Philosophe de formation, sa pratique artistique s’est tressée à ses activités de recherches et d’enseignements en philosophie, d’abord comme une alternative à la discursivité. Son médium de prédilection est la peinture : ce qui s’y élabore ne relève pas du discours ni même seulement de l’image. Elle expérimente et conçoit la peinture comme une inquiétude à l’égard de l’image, un lent travail où parfois surgit un évènement, un avènement, réel, par le tracé et la captation d’une figure qui heurte le volontarisme figuratif. Incitation à voir autrement et peut-être véritablement, selon ce phénomène de la tache qui fait figure (le nuage, perpétuellement perturbateur et révélateur), de l’accès fulgurant à la visibilité, de la saisie du visible dans le passage et l’entre-deux.

Miléna Kartowski-Aïach est une artiste-chercheuse franco-israélienne vivant entre Paris et Jérusalem. Diplômée en philosophie et socio-anthropologie des religions, elle est spécialiste des cultures et musiques juives diasporiques et poursuit un doctorat de recherche-création sur l’écriture sensible du 7 Octobre et ses résonances. Chanteuse-musicienne, auteure et metteure en scène, elle fonde en 2011 la compagnie de théâtre Les Haïm, dédiée aux cultures minoritaires et aux communautés sans-voix, avec laquelle elle a mené plus d’une quinzaine de projets artistiques à travers le monde. Elle a notamment travaillé en Grèce auprès de réfugiés Yézidis rescapés du génocide de Sinjar et à New York avec de jeunes excommuniés du monde hassidique. Actuellement, elle se consacre à l’écriture et à la composition de son premier album solo piano-voix, poursuivant son engagement artistique et humain auprès des voix marginalisées.

Rachel Marks est une artiste et danseuse américaine basée à Paris. Son travail se concentre sur la création d’environnements immersifs à travers des installations monumentales, explorant la relation entre nature et humanité. Inspirée par la façon dont les arbres prospèrent en communauté, elle réalise principalement des installations et performances in-situ, ainsi que des sculptures et dessins. Elle privilégie l’utilisation de livres abandonnés et de papiers recyclés, cherchant à sensibiliser le public à la beauté et à la complexité de la nature. Diplômée en beaux-arts de l’Oklahoma State University et titulaire d’un master de l’École Supérieure d’Art et Design de Grenoble, elle enseigne à Parsons Paris et poursuit une carrière de danseuse professionnelle. Ses œuvres et performances ont été présentées en France et à l’international, notamment à la Philharmonie de Paris, au Grand Palais, au Today Art Museum à Pékin et au Museum of Broadway à New York.